Hay una escena que seguramente te resulta familiar. Estás de vacaciones, el paisaje es espectacular, y tu pareja te pide que le hagas una foto. Sacas el móvil, encuadras como puedes… y el resultado es una persona pequeñita en medio de la nada, con las vistas de fondo que apenas se distinguen. O al revés: una cara enorme que tapa todo el horizonte que tanto os había emocionado. Conocer los tipos de planos en fotografía según la escala es exactamente lo que marca la diferencia entre ese momento y una imagen que, años después, todavía te pone la piel de gallina.

Y es que esto no es solo cosa de fotógrafos profesionales. Claro que en un reportaje de boda o en una sesión premamá el uso correcto del encuadre es fundamental, pero la verdad es que en el día a día también importa, y mucho.

Un plano fotográfico es, básicamente, la decisión de cuánto espacio ocupa el sujeto dentro del encuadre y qué relación tiene con su entorno. No es solo un tecnicismo de escuela de cine. Es la herramienta con la que un fotógrafo le dice al espectador dónde mirar, qué sentir y qué importa en esa imagen.

Piénsalo como el volumen de una conversación: no hablas igual cuando le cuentas algo íntimo a alguien que cuando das un discurso en público. Los planos funcionan igual.

Antes de entrar en detalle, conviene aclarar una cosa: cuando hablamos de tipos de planos en fotografía, en realidad estamos hablando de varias clasificaciones distintas. La más conocida, y la que vamos a ver aquí, es la que se basa en la escala, es decir, en cuánto del sujeto y del entorno aparece dentro del encuadre. Pero existe otra clasificación igual de interesante que tiene que ver con la posición y el ángulo de la cámara: el plano picado, el contrapicado, el cenital, el nadir o el famoso plano holandés. Esos los dejamos para una próxima entrega, porque cada uno de ellos merece su propio espacio.

El más épico de todos. El sujeto, si aparece, es casi un punto en la imagen. Lo que manda aquí es el entorno, el paisaje, la atmósfera. Es el plano de la aventura y la inmensidad, el que te hace sentir pequeño de la mejor manera posible.

En fotografía: El trabajo de Ansel Adams en el Parque Nacional de Yosemite es el referente absoluto. Su imagen Clearing Winter Storm (1944) muestra el valle envuelto en nubes y nieve, con los árboles y las montañas dominando cada centímetro del encuadre. La escala humana, simplemente, desaparece.

En cine: Lawrence de Arabia (1962), de David Lean, lo usó de forma magistral para mostrar la vastedad del desierto. Hay planos en esa película donde el personaje aparece como una mota de polvo sobre una duna interminable, y aun así, o precisamente por eso, resulta imposible apartar la mirada.

Aquí ya vemos al sujeto completo, con espacio alrededor que nos sitúa en el contexto. No es tan monumental como el gran plano general, pero sigue contando dónde ocurre todo. Es el plano que ambienta, que coloca al espectador dentro de la historia.

En fotografía: Henri Cartier-Bresson lo usaba constantemente para capturar la vida en la calle sin perder el contexto urbano. Su imagen Behind the Gare Saint-Lazare (1932) es un ejemplo perfecto de cómo un plano general puede convertir un instante cotidiano en algo eterno.

En cine: La apertura de El Padrino (1972), de Francis Ford Coppola, arranca con planos generales del exterior de la mansión Corleone durante la boda. En esos encuadres ya se entiende el peso, la familia, el mundo en el que vamos a entrar.

El cuerpo completo, de pies a cabeza, con poco margen alrededor. Es el plano del vestuario, de la postura, del lenguaje corporal. Cuando quieres que se vea todo, desde los zapatos hasta el peinado, este es el encuadre. En moda funciona de maravilla, y en bodas es imprescindible para mostrar el vestido en todo su esplendor.

En fotografía: Irving Penn construyó buena parte de su carrera en Vogue sobre este tipo de encuadre. Sus retratos de moda de los años 50 y 60 son un manual de cómo usar el plano entero para que la ropa y la persona convivan con igual protagonismo.

En cine: Moulin Rouge! (2001), de Baz Luhrmann, está lleno de planos enteros que muestran los trajes y la coreografía en su totalidad. Es un film donde el vestuario es casi un personaje más, y el plano entero es la única forma de hacerle justicia.

Corta a la altura de las rodillas o los muslos. Su nombre viene del cine western americano, donde necesitaban ver la mano cerca de la pistola sin perder la expresión del rostro. Hoy es uno de los planos más versátiles que existen. En retratos de pareja, en sesiones premamá, en fotografía corporativa… aparece constantemente porque equilibra expresión y lenguaje corporal de una forma que resulta completamente natural.

En fotografía: Dorothea Lange lo utilizó con enorme eficacia en su trabajo documental. Su célebre Migrant Mother (1936) es técnicamente un plano americano que captura a Florence Owens Thompson con dos de sus hijos, y concentra en ese encuadre toda la dignidad y el agotamiento de la Gran Depresión americana.

En cine: Prácticamente cualquier duelo de El bueno, el feo y el malo (1966), de Sergio Leone, recurre a este plano para mostrar a los pistoleros antes de que la tensión explote. Es un encuadre que, en ese contexto, carga de una electricidad brutal cada segundo de espera.

De la cintura hacia arriba. Es el plano de la conversación, el que usamos casi sin pensar cuando fotografiamos a alguien en una celebración o una reunión. Cómodo, natural, cercano. En cine es el pan de cada día en las escenas de diálogo, y en fotografía de pareja capta la complicidad entre dos personas sin necesitar nada más de fondo.

En fotografía: Steve McCurry lo utiliza con maestría en su trabajo de retrato documental. Muchas de sus imágenes en Asia Central y el Sudeste asiático están encuadradas desde la cintura, lo que permite ver el contexto cultural en el vestuario sin perder la profundidad del rostro.

En cine: Casablanca (1942), de Michael Curtiz, construye gran parte de su tensión emocional a base de planos medios entre Bogart e Ingrid Bergman. Hay algo en ese encuadre que hace que cada palabra pese el doble.

Un poco más cerrado, desde el pecho hasta la cabeza. Empieza a haber más intimidad. Las emociones empiezan a tomar protagonismo y el entorno ya casi no existe. En un reportaje de boda, este plano en el momento del «sí quiero» puede ser devastadoramente bonito, porque ya no hay nada que distraiga de lo que está pasando en esa cara.

En fotografía: Yousuf Karsh construyó su leyenda sobre este encuadre. Su retrato de Winston Churchill (1941), con esa mandíbula apretada y la mirada desafiante, es uno de los retratos más reproducidos de la historia. Y es, en esencia, un plano medio corto perfecto.

En cine: El silencio de los corderos (1991), de Jonathan Demme, usa el plano medio corto de una manera que incomoda deliberadamente: Hannibal Lecter mirando directamente a cámara, ocupando el encuadre desde el pecho, sin escapatoria posible para el espectador.

El rostro llena el encuadre. Ya no hay contexto, solo emoción. Es el plano que Leone usó en sus westerns para tensar el ambiente hasta hacerlo insoportable, y el que yo busco en los momentos más íntimos de una boda: las lágrimas del padre, la sonrisa nerviosa antes de entrar al altar, la mirada de los novios justo después del beso. Cuando lo consigues bien, es de las imágenes que más tiempo pasan colgadas en las paredes de las casas.

En fotografía: Steve McCurry vuelve a aparecer aquí con su imagen más conocida, Afghan Girl (1984). Ese primer plano de Sharbat Gula con sus ojos verdes es posiblemente el retrato más reconocible publicado por National Geographic en toda su historia.

En cine y series: La pasión de Juana de Arco (1928), de Carl Theodor Dreyer, es probablemente el film más famoso de la historia del cine por su uso obsesivo del primer plano. Los rostros de los actores, sin maquillaje, llenan cada fotograma con una honestidad que todavía hoy resulta difícil de sostener.

Y si hablamos de series, The Bear (2022) es una referencia ineludible. Su cinematografía se apoya en el uso constante de planos cerrados y primeros planos que se enfocan en los rostros sudorosos, las manos hábiles y los ojos expresivos de los personajes, creando una sensación de claustrofobia que replica el espacio reducido y opresivo de una cocina. Cuando la ves, sientes que casi eres parte del personaje. Y no es casualidad: es una decisión técnica deliberada y ejecutada con una precisión brutal.

Solo una parte del rostro. Los ojos, la boca, un gesto. Es un plano que exige valentía porque no perdona absolutamente nada, pero cuando funciona, es brutal. En fotografía artística y en algunos retratos de maternidad, puede transmitir una ternura o una intensidad que ningún otro encuadre logra igualar.

En fotografía: El primerísimo primer plano de los ojos de Audrey Hepburn por Bert Stern (1963) es uno de los ejemplos más elegantes de este encuadre en fotografía de retrato. Solo los ojos, perfectamente iluminados, y ya no hace falta nada más.

En cine: El bueno, el feo y el malo vuelve a ser referencia ineludible. Sergio Leone alterna primerísimos primeros planos de los ojos de sus protagonistas durante los duelos finales, creando una tensión que se construye plano a plano, casi como un poema visual.

Y The Bear vuelve a aparecer aquí, porque lleva este encuadre incluso más lejos. La serie tiene un ritmo de montaje acelerado e inmersivo, con planos muy cerrados sobre los rostros de los personajes, lo que se complementa con momentos más relajados donde los tonos son más fríos y hay más tiempo para pensar. Para conseguirlo, el director de fotografía Andrew Wehde rodó con cámaras Arri Alexa Mini LF con ópticas Panavision, utilizando dos unidades simultáneas sin cortes, lo que permitía capturar cada microexpresión en el momento exacto en que sucedía. El resultado es esa sensación tan particular de estar dentro de la cocina, no mirándola desde fuera.

Un objeto, una textura, un fragmento. Las alianzas sobre el ramo de novia. Los pies descalzos de un bebé en las manos de su madre. El bordado del vestido. Este plano es el narrador silencioso de una historia, y en mis reportajes de boda y sesiones premamá es uno de los que más cuido, porque suele ser el que más sorprende a las familias cuando ven el álbum terminado. A veces, un detalle bien fotografiado dice más que diez retratos.

En fotografía: Edward Weston dedicó gran parte de su carrera a este encuadre, fotografiando pimientos, conchas y piedras con una luz y una composición que los convertían en esculturas. Su Pepper No. 30 (1930) es un plano detalle de un pimiento verde que parece sacado de otro planeta.

Y en clave más cercana, el fotógrafo madrileño Chema Madoz lleva décadas construyendo un universo propio a base de planos detalle de objetos cotidianos que, de repente, dejan de serlo. Sus imágenes en blanco y negro son pequeñas trampas visuales que te hacen dudar de lo que estás viendo. La verdad es que Madoz es uno de mis fotógrafos de referencia desde hace años, y si miras con atención algunas de mis fotografías, encontrarás más de un guiño a su forma de ver el mundo.

En cine: 2001: Una odisea del espacio (1968), de Stanley Kubrick, está lleno de planos detalle de tecnología, interfaces y objetos que construyen el universo de la película sin necesidad de diálogo. Cada botón, cada palanca, cada pantalla tiene su momento de protagonismo absoluto.

Una cosa es leer sobre los tipos de plano y otra muy distinta es verlos. Mueve el encuadre, observa cómo cambia lo que se cuenta en cada imagen y, si te apetece, cuéntame en los comentarios cuál es tu plano favorito y por qué.

Conocer los tipos de planos es la mitad del trabajo. La otra mitad es saber dónde colocar al sujeto dentro de ese encuadre. Y aquí entra la norma de los tercios.

Imagina que divides la imagen con dos líneas verticales y dos horizontales, formando una cuadrícula de nueve partes iguales. Los puntos donde se cruzan esas líneas son los lugares donde el ojo humano mira de forma natural. Colocar ahí los ojos de un retrato, el horizonte de un paisaje o las manos entrelazadas de una pareja no es una casualidad. Es una decisión que hace que la imagen se sienta equilibrada sin que el espectador sepa muy bien por qué.

La buena noticia es que no tienes que imaginarte esa cuadrícula: casi todas las cámaras fotográficas y de vídeo modernas, incluidas las de los smartphones, permiten activar esta rejilla directamente en la pantalla. En las cámaras réflex y mirrorless la encontrarás en el menú de configuración del visor. En el iPhone o en Android, está en los ajustes de la cámara nativa.

Activarla y usarla conscientemente es uno de esos pequeños gestos que transforman tus fotos de forma inmediata.

Ahora que sabes qué es un plano americano, por qué el plano detalle puede robarte el corazón o cómo el gran plano general convierte un paisaje en una historia, te animo a que la próxima vez que saques la cámara o el móvil, lo pienses un segundo antes de disparar. Un segundo. Eso es todo lo que separa una foto del montón de una imagen que alguien guarda para siempre.

Y si tienes alguna duda sobre qué tipo de plano es el más adecuado para tu reportaje de boda, tu reportaje premamá o esa sesión familiar que llevas tiempo queriendo hacer, escríbeme un correo electrónico sin compromiso y lo hablamos. Me encanta este tipo de conversaciones. También puedes dejar tu pregunta o comentario aquí abajo: leo todos y respondo a todos. Prometido.

Ah, y si este artículo te ha resultado útil, no te pierdas la próxima publicación. Hablaremos de los ángulos de toma, es decir, de qué ocurre cuando la cámara deja de estar a la altura de los ojos y empieza a mirar desde arriba, desde abajo o desde un ángulo inesperado. Plano picado, contrapicado, cenital, nadir… Cada uno cambia completamente la lectura de una imagen, y la diferencia entre usarlos bien o mal puede ser la diferencia entre una foto correcta y una foto que te deja sin palabras.