Solamente pude escaparme a Madrid tres días. Y además en pleno agosto, cuando el calor aprieta de una manera que hace que cualquier trayecto a pie se convierta en una pequeña hazaña. Aun así, la verdad es que no me arrepiento ni un segundo: visité siete exposiciones diferentes de las exposiciones PhotoEspaña 2026 en Madrid y volví con la cámara (y la cabeza) llena.

Este festival se ha convertido, año tras año, en una cita obligada para cualquiera que ame la fotografía documental, el retrato o el ensayo visual. Y esta edición, la verdad, no decepciona. Así que os cuento, exposición por exposición, qué me encontré y por qué merece la pena hacer hueco en la agenda si estáis pensando en acercaros.

Empiezo por la que, para mí, era una de las citas ineludibles del festival. Es la primera vez que se muestra en España el conjunto íntegro de la serie Los Americanos, ochenta y tres imágenes que forman, sin exagerar, el libro más influyente de la historia de la fotografía. La comisaria el proyecto, David Campany, es uno de los grandes expertos internacionales en la figura de Frank, y eso se nota en cómo está planteado el recorrido.

Robert Frank (Zúrich, 1924 – Nueva Escocia, 2019) cambió para siempre la forma de mirar a través de una cámara. La serie nace de un viaje que hizo por Estados Unidos a mediados de los años cincuenta, y lo curioso (y lo que más me impactó al recorrer la sala) es cómo su optimismo inicial se va apagando fotografía a fotografía, según va descubriendo las desigualdades y las tensiones sociales del país. Publicadas en 1958, estas imágenes provocaron un impacto brutal en su momento, precisamente por su honestidad.

Además de las fotografías prestadas por la Maison Européenne de la Photographie de París, hay copias del International Center of Photography de Nueva York y de colecciones privadas. Como actividad paralela, también se proyecta el documental Don’t Blink, Robert Frank, de Laura Israel.

Un cambio de registro total. Aquí la fotografía deja de ser retrato humano para convertirse en herramienta de análisis territorial. Jorge Yeregui (Santander, 1975) lleva años investigando cómo transformamos el entorno que habitamos, y esta exposición reúne cuatro proyectos que abordan el impacto ambiental, la crisis inmobiliaria, el crecimiento urbano descontrolado y esa relación (a veces tensa, a veces íntima) entre el ser humano y la naturaleza.

Lo que más me gustó fue precisamente eso: cómo Yeregui parte de un lugar muy concreto para hablar de algo mucho más grande. Es fotografía, sí, pero también es investigación de campo llevada al límite.

Más de dos décadas de trabajo del fotógrafo mexicano-dominicano Alejandro Cartagena (Santo Domingo, 1977) condensadas en una sola muestra. Y es que Cartagena hace algo que a mí, personalmente, me parece fascinante: rechaza el famoso «momento decisivo» del que tanto se ha hablado en fotografía documental, y apuesta en cambio por la serialidad y la multiplicidad de miradas.

La exposición reúne proyectos como Suburbia Mexicana, Carpoolers o su trilogía sobre la frontera entre México y Estados Unidos. Migración, vivienda, transformación urbana. Temas duros, tratados desde una mirada crítica pero profundamente humanista.

La gran obra maestra de Avedon. Por encargo del Amon Carter Museum, Richard Avedon (Nueva York, 1923-2004) recorrió veintiún estados durante cinco veranos con una cámara de gran formato de 20×25 centímetros, retratando a más de mil personas (mineros, rancheros, camareros, feriantes) siempre de frente, con fondo blanco y luz natural.

Lo que me dejó completamente noqueado fue ver, además del resultado final, los materiales inéditos que revelan el proceso de creación. Avedon quería mostrar a las clases trabajadoras relegadas por las políticas neoliberales de Reagan, y esa intención se palpa en cada retrato.

El espacio que la alberga, el Centre Blanquerna, tiene también su propia historia (incluido un episodio doloroso de intolerancia que prefiero no desarrollar aquí, aunque para mí es importante), y eso hace que la visita tenga un peso añadido. Más de cuatro décadas después, estas imágenes siguen recordándonos por qué la memoria y el espacio público importan tanto.

Esta exposición reúne por primera vez el reportaje completo que Isabel Steva «Colita» (Barcelona, 1940-2023) hizo de la manifestación del 26 de junio de 1977 en Barcelona, considerada la primera gran protesta LGTBI+ celebrada en España. Cuarenta fotografías que documentan, con una mirada directa y muy cercana, tanto la fuerza colectiva de aquella jornada como la tensión de un momento marcado por la presencia policial y los enfrentamientos.

En 1986, Annie Leibovitz recibió el encargo de crear la campaña visual del Mundial de México. Su planteamiento fue tan simple como poderoso: «el hombre, la pelota y la tierra» en cada póster. Durante un año recorrió el país (Uxmal, Chichén Itzá, Tulum, Teotihuacán, la Sierra Gorda queretana) para construir trece fotografías icónicas que trascendieron por completo lo deportivo.

Fue la primera vez que la identidad visual de un Mundial se construía a partir de fotografías, y en 2026, con México convertido en el primer país en albergar tres inauguraciones mundialistas, esta serie recupera una vigencia especial.

Con un amigo arquitecto de toda la vida, aproveché también para visitar la Casa de la Arquitectura, donde conviven dos propuestas muy distintas entre sí.

Bienestar en la Ciudad, comisariada por Izaskun Chinchilla, plantea el bienestar urbano no como una lista de indicadores, sino como algo relacional: la calidad de las interacciones entre cuerpos, comunidades y entornos. El recorrido se organiza en ocho acciones (nacer, criar, comer, dormir, jugar, entre otras) y se plantea, literalmente, como una caminata de unos dos mil pasos en zigzag.

Radical Rehab. Arquitectura y Patrimonio en España (1975-2025) explora, a través de ochenta obras, cómo la arquitectura española ha sabido transformar el patrimonio construido sin quedarse en la mera preservación. Equipamientos culturales, vivienda, espacios urbanos… un recorrido que cubre todas las comunidades autónomas.

Dicen que hay que volver a los lugares donde has sido feliz, y en esta visita a Madrid lo cumplí a rajatabla. Me acerqué de nuevo al frontón Beti Jai, aunque fuera solo diez minutos. Y bastaron esos diez minutos para volver a sentir toda la historia que arrastra este lugar. Ya lo comenté en un post anterior: para mí es uno de los frontones más espectaculares que he visitado, y sigue siendo, cada vez que piso Madrid, una parada obligatoria.

No tengo ningún problema con que cierren en agosto, faltaría más. Pero un aviso claro en la web oficial no estaría de más, sobre todo cuando el plan implica caminar treinta o cuarenta minutos por Madrid a cuarenta grados para encontrarte con la persiana bajada.

Y aquí va un consejo práctico, de los que se aprenden a base de sufrirlos. Comprobad siempre los horarios actualizados, tanto en la web oficial de PhotoEspaña como en el Google Maps de cada galería o espacio. A mí me pasó con dos exposiciones: la Galería Blanca Berlín (cerrada por vacaciones de agosto) y la Galería Ett Rum by Nordic Standard (cerrada, sin más explicación).

Con todo esto, creo que le saqué el máximo partido posible a estos tres días madrileños. Han sido exposiciones que, la verdad, han merecido muchísimo la pena, cada una desde un registro completamente distinto, y disfrutar de ellas ha sido un auténtico gustazo para cualquiera que ame la fotografía.

Y ahora os toca a vosotros y vosotras: ¿cuál de estas siete exposiciones os llama más la atención? ¿Ya habéis visitado alguna de ellas? Dejadme un comentario aquí abajo, que siempre es un placer leeros.